Geek-Nation » Drama

Transsiberian

oli — Thu, 28 Aug 2008 19:22:11 +0000

Wer hintereinander Favoriten wie SESSION 9 und THE MACHINIST dreht, kann sicher sein, dass man bei seinem nächsten Film ganz genau hinsieht. Brad Anderson muss sich keine Sorgen machen. Denn TRANSSIBERIAN, seine tatsächlich vor Ort in Russland gedrehte Verbeugung vor STRANGERS ON A TRAIN, hält genauester Begutachtung stand – auch wenn der Film ganz anders ist, als man ihn nach den düsteren, pessimistischen Vorgängern erwartet hätte. In prächtige und eigenwillige Kinobilder verpackt, erzählt der Thriller die Geschichte einer Zugfahrt, die ein amerikanisches Paar nach getaner missionarischer Arbeit in China unternimmt, um die angeschlagene Ehe zu retten. Die Beziehung bekommt mehr Pep, als den beiden lieb sein kann, als sie an Bord mit allerlei zwielichtigen Gestalten konfrontiert, vor allem aber auf eine harte moralische Probe gestellt werden. Obwohl sie gegen Schwergewichte wie Woody Harrelson, Ben Kingsley oder Eduardo Noriega anspielen muss, ist es die wie immer brillante Emily Mortimer, die den Film an sich reißt, als sie mit einem Dilemma nach dem anderen ringt, deren Ausmaß Christian Bales Maschinisten noch einmal ein paar weitere Jahre Schlaf rauben würde.

Meinung

Wir begleiten das Ehepaar Roy und Jessie auf ihrer Reise mit der transsibirischen Eisenbahn durch – klar – Sibirien. Als die beiden sich mit einem anderen Päärchen anfreunden, nimmt der Thriller-Plot seinen Lauf. Im Gegensatz zu Regisseur Brad Andersons “The Machinist” ist “Transsiberian” aber ein recht gradliniger Thriller in chronologischer Erzählform.

Als Zuschauer weiss man nie so recht, wem man (außer dem gradlinigen Vorzeige-US-Touristen Roy, gespielt von Woody Harrelson) trauen kann und wer Dreck am Stecken hat. Verdächtig sind sie alle. Es gibt immer wieder interessante Wendungen in der Handlung, die ich nicht alle vorhergesehen habe.

In bester Hitchcock-Manier nimmt die Story im Laufe des Films immer mehr Fahrt auf und bringt die Protagonisten in für sie völlig neue Situationen. Positiv ist mir aufgefallen, dass sie dabei nie zu Superhelden mutieren, sondern immer im Rahmen ihrer Möglichkeiten bleiben.

Zusammengefasst: Gute Schauspieler (Harrelson, Thomas Kretschmann, Ben Kingsley), gute Atmosphäre, gute Story und schöne Landschaftsaufnahmen machen aus “Transsiberian” einen gelungenen Thriller. Für das Fantasy-Filmfest (auf dem ich ihn gesehen habe) ist er allerdings recht mainstreamig.

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The Rebel

oli — Thu, 28 Aug 2008 16:38:44 +0000

1922 hat die Kolonialmacht Frankreich Indochina fest im Würgegriff und führt sich angemessen hässlich auf. Kein Wunder, dass sich im geknechteten Volk Widerstandsgruppen bilden. Ihren Anschlag auf den verhassten Statthalter kann aber Kollaborateur Cuong (fit: Johnny Nguyen aus REVENGE OF THE WARRIOR) vereiteln, indem der Elitekämpfer seine Landsleute eliminiert. Und sich anschließend in die schöne Guerrillera Thuy (Pop-Star Ngo Thanh Van) verliebt, die sein brutaler Kollege Sy (21 JUMP STREET Dustin Nguyen als sadistisches Schwein) gnadenlos foltert. Er flieht mit ihr und lernt dadurch erst die dramatischen Zustände in seinem Land kennen … Kampfsport-Kenner freuen sich über ungewohnte Techniken und massig Fights auf hohem Niveau – Gleiches gilt für die clever ersonnene Story.

Meinung

“The Rebel” ist mein erster vietnamesischer Film. Er geht etwas über das asiatische Standardthema “Rache” hinaus und beschäftigt sich mit dem Konflikt zwischen der (natürlich bösen) Besatzungsmacht Frankreich und den vietnamesischen Rebellen. Als Vehikel dafür dient die Lovestory zwischen Überläufer-Rebell Cuong und Oberrebellen-Tochter Thuy.

Die Martial-Arts-Elemente kommen dabei nicht zu kurz und verzichten weitgehend auf Schnickschnack wie Drahtseil-Aktionen oder CGI. Ab und zu gibt es leichte Drehbuchschwächen, und der zweite Akt hat stellenweise seine Längen, aber am Ende gibt’s dann doch wieder einen schönen Endkampf, in dem (ohne hier zuviel verraten zu wollen) tatsächlich der Richtige gewinnt.

Alles in allem ein gelungener Film, auch wenn er sicher kein “Muss” ist.

Der Nebel

oli — Tue, 25 Mar 2008 14:55:10 +0000

Ein mysteriöser Nebel, der die gesamte Landschaft einhüllt, zwingt die Bewohner einer Kleinstadt, sich in ihrem Supermarkt zu verschanzen. In den weißen Schleiern scheinen sich Wesen zu verbergen – merkwürdig schaurig und offenbar nicht von dieser Welt. Die Ungewissheit, was in der allesverschlingenden Wolke auf sie wartet, zerrt an den Nerven der Zwangsgemeinschaft und schürt Angst und Verzweiflung.

Der Künstler David Drayton (Thomas Jane) versucht, dem Geheimnis der furchteinflößenden Erscheinung auf den Grund zu gehen. Die fanatisch-religiöse Mrs. Carmody (Marcia Gay Harden) glaubt hingegen, dass Gottes Zorn entfacht wurde, der nur durch ein menschliches Opfer besänftigt werden kann. Schnell findet sie Anhänger für ihre Theorie. Ausgerechnet Draytons kleiner Sohn Billy (Nathan Gamble) wird von der panisch-verängstigten Menge als Sühnengabe auserkoren. Ein erbitterter Kampf ums nackte Überleben hat begonnen, in dem die Grenze zwischen äußerer und innerer Bedrohung verschwimmt…

Meinung

Meine Güte, was für ein “Mist” (man verzeihe das lausige Wortspielchen mit dem Original-Titel “The Mist”). Ich musste selten bei einem Drama so oft so lauthals lachen wie bei diesem Machwerk von Frank Darabont (“Die Verurteilten”, “The Green Mile”).

Da stimmt ja wirklich garnichts: Völlig unlogisch handelnde Akteure, haarsträubende schauspielerische Leistungen, überzeichnete Charaktere und lächerliche Effekte im 50er-Jahre B-Movie-Stil. Die gutgemeinten gesellschaftskritischen Untertöne gehen leider völlig unter.

Einzig das kompromisslose und Hollywood-untypische Ende weiss zu gefallen. Das ist wohl auch die einzige Stelle, an der der Film von der Stephen-King-Buchvorlage abweicht.

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…denn sie wissen nicht, was sie tun

oli — Sat, 25 Feb 2006 10:44:17 +0000

Sobald Jim Stark irgendwo in Schwierigkeiten gerät, ergreifen seine Eltern die Flucht: Nach zahllosen Umzügen erneut in einer neuen Stadt angekommen, hofft Jim, endlich die Zuneigung zu finden, die ihm seine bürgerliche Familie verweigert. In Nachbarin Judy und der Bewunderung des jungen Plato scheint sich ein Teil des Erhofften zu erfüllen, doch zunächst muss sich Jim noch mit einer Mutprobe vor einer Jugendgang beweisen – mit tragischem Ausgang. Zukunftsangst und Richtungslosigkeit amerikanischer Teenager der 50er Jahre und ihre Rebellion gegen die Selbstzufriedenheit ihrer gutbürgerlichen Elternhäuser bestimmen das Klima des Dramas dreier Halbwüchsiger, die ihre Wut mit gefährlichen und schließlich tödlichen Mutproben kompensieren. Ein hervorragend und aufregend erzählter und gespielter Film, mit dem James Dean als Prototyp der dargestellten Generation zum Weltstar wurde.

Meinung

Der Film hat im Laufe der Zeit (er hat immerhin schon ein halbes Jahrhundert auf dem Buckel) natürlich einiges an Brisanz verloren. Der harmlose Messerkampf führte damals in einigen Städten zu Filmverboten — aus heutiger Sicht lächerlich. Was den Film aber zum zeitlosen Klassiker macht ist das ewig junge Thema des Generationskonflikts.

Die Hauptfigur will nicht einfach nur gegen die Eltern rebellieren, sondern versucht gleichzeitig verzweifelt, seine Eltern lieben zu können. Da das nicht gelingt, probiert er wenigstens bei Gleichaltrigen Anerkennung zu finden — mit fatalen Folgen.

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L. A. Crash

oli — Sun, 19 Feb 2006 10:47:29 +0000

36 Stunden in L.A.. 36 Stunden im Leben einer Handvoll Menschen, die nicht unterschiedlicher sein könnten. Und doch führt das Schicksal sie zusammen, lässt ihre Wege sich kreuzen und wieder auseinander gehen, ihre Leben für kurze Zeit in den gleichen Bahnen laufen. Sie sind Bewohner einer Megacity im ganz normalen Ausnahmezustand, hin und her gerissen zwischen Angst, Wut und Verzweiflung und der alles überwindenden Kraft der Hoffnung und des Glücks.

Meinung

“L. A. Crash” ist ein Episodenfilm á la “Magnolia” oder “Short Cuts”. Die Handlungsstränge der einzelnen Episoden zeigen die Schicksale verschiedenster Menschen aus L. A. und werden im Laufe des Films immer weiter verknüpft.

Es ist ein toller, einfühlsamer Film über die kleinen und großen Vorurteile — und darüber, wie man sich ändern kann. Es gibt kein Gut und kein Böse, denn Vorurteile und Rassismus gibt es quer durch alle Bevölkerungsschickten und -gruppen. Dabei erspart sich der Film den erhobenen Zeigefinger, denn auch Vorurteile können durchaus mal zutreffen.

Der Film zu keiner Sekunde langweilig und zeigt Emotionen, bei denen einem der Atem stockt — ohne auch nur einen Moment kitschig zu werden. Unbedingte Kauf- oder Kuck-Empfehlung!

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House of Flying Daggers

oli — Fri, 03 Feb 2006 10:50:15 +0000

Im Jahr 859, fast zweieinhalb Jahrhunderte nach ihrer Machtübernahme, ist der Verfall der Tang-Dynastie nicht mehr aufzuhalten. Unruhe herrscht im Großreich China. Eine mächtige Rebellenallianz, genannt das “House of Flying Daggers”, attackiert den unfähigen Kaiser und seine korrupte Regierung. Weil die Untergrundbewegung immer größere Unterstützung beim Volk findet und auch trotz der Ermordung ihres letzten Anführers nicht an Stärke eingebüßt hat, erhalten die Polizisten Leo (ANDY LAU TAK WAH) und Jin (TAKESHI KANESHIRO) einen fast unlösbaren Auftrag. In nur zehn Tagen sollen sie den neuen Führer der Rebellen identifizieren und festnehmen. Verdächtig, ein Mitglied der Allianz und vielleicht sogar ihr Kopf zu sein, ist vor allem Mei (ZHANG ZIYI), eine blinde Tänzerin im Luxusbordell Peony Pavillon. Um mehr über sie und die Rebellen zu erfahren, soll Jin nach einer fingierten Festnahme Mei befreien und ihr Vertrauen gewinnen. Der Plan gelingt, doch auf der langen Flucht durch die Wälder geschieht Unvorhersehbares. Der Polizist und die vermeintliche Revolutionärin verlieben sich. Wie aufrichtig und stark dieses Gefühl ist, wird auf dramatische Weise auf die Probe gestellt…

Meinung

Der neue Film von Regisseur Yimou Zhang (“Hero”) ist eine bildgewaltige Love-Story mit vielen Martial-Arts-Elementen. Im Vordergrund stehen ganz klar die drei Hauptfiguren. Eine richtige Dreierbeziehung stellt sich aber erst im Laufe des Films nach einigen überraschenden Wendungen ein. Am Ende erlebt der Zuschauer dann ein reinrassiges Liebesdrama.

Besonders auffällig ist die tolle opulente Optik des Films. Die Herbstlandschaften und die Kostüme ergeben wunderschöne Farbkombinationen, die zwar in ihrer Farbintensität oft nicht sehr natürlich aussehen, aber auf jeden Fall faszinierend sind. Je größer das Display, desto besser ist der Effekt

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Der Flug des Phönix (1965)

oli — Tue, 20 Dec 2005 10:52:41 +0000

Der dramatische Überlebenskampf einer Flugzeugbesatzung und einer Handvoll Passagiere, denen nach einer Notlandung in der Sahara der sichere Tod zu drohen scheint. Ein Kampf, der zum Scheitern verurteilt ist, da die unterschiedlichen Charaktere der Beteiligten explosiven Zündstoff bieten. Als die Lage aussichtslos zu werden droht, hat ein junger Flugzeugkonstrukteur eine völlig utopische Idee: Er will aus den Wrackteilen eine neue Maschine zusammenbauen. Bringt der “Phönix” die erhoffte Rettung oder wird er den Untergang nur beschleunigen? Spannung, Thrill und mitreißende darstellerische Leistungen. James Stewart, Hardy Krüger und Richard Attenborough in einem Klassiker, der Filmgeschichte schrieb.

Meinung

Wie verhalten sich wildfremde Menschen, die zusammen in eine Extremsituation gelangen? Das ist das Thema dieses Filmklassikers rund um die Hauptdarsteller James Stewart, Hardy Krüger, Richard Attenborough und Ernest Borgnine. Ein Film ohne viele Locations, ohne Lovestory und ohne große Action. Dafür mit tollen Schauspielern

Die herausragenden Szenen des Films sind der Machtkampf der beiden “Alphamännchen” Heinrich Dorfmann (ein pflichtbewusster und gefühlskalter deutscher Ingenieur, gespielt von Hardy Krüger) und Frank Towns (der Pilot des abgestürzten Flugzeuges, gespielt von James Stewart). Beide sind auf unterschiedliche Art und Weise rechthaberisch und sehen sich als Anführer der Gruppe.

Der Film erhielt 1966 zwei Oscar-Nominierungen für den besten Schnitt und die beste Nebenrolle (Ian Bannen).

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Sophie Scholl – Die letzten Tage

oli — Fri, 16 Dec 2005 10:54:44 +0000

Mit “Sophie Scholl – Die letzten Tage” setzte Regisseur Marc Rothemund der berühmten Widerstandskämpferin ein beeindruckendes filmisches Denkmal, dessen akkurate und authentische Nachzeichnung der Ereignisse in den fünf Tagen von Scholls Verhaftung bis zu ihrer Hinrichtung am 22. Februar 1943 auf den originalen Vernehmungsprotokollen der Nazi-Diktatur basiert. Jahrzehntelang in Kellerarchiven der Sowjetunion und der DDR verschwunden, kamen die historischen Dokumente erst nach der deutschen Wiedervereinigung erneut zum Vorschein, und bildeten schließlich die Grundlage für das packende Drehbuch von Fred Breinersdorfer, in dem sich die mutige Münchener Studentin Sophie Scholl (herausragend gespielt von Julia Jentsch, Die fetten Jahre sind vorbei) ein kammerspielartiges Rededuell mit ihrem Vernehmungsbeamten, dem systemtreuen Gestapo-Beamten Robert Mohr (Alexander Held), liefert. Bis hin zum Schauprozess vor dem berüchtigten Blutrichter Roland Freisler und der Hinrichtung von Sophie, ihrem Bruder Hans und ihrem Mitstreiter Christoph Probst von der Widerstandsgruppe „Die weiße Rose“ dokumentiert Regisseur Rothemund mit einer effektiven, zurückhaltenden Inszenierung die verbürgten Ereignisse mit beeindruckender historischer Akribie und erschafft so ein tief bewegendes Portrait dieser jungen Frau, deren moralische Standhaftigkeit auch heute noch ein bewundernswertes Vorbild ist. Verdientermaßen wurden Marc Rothemund und Julia Jentsch dann auch auf der Berlinale 2005 mit den Preisen für Regie und beste Hauptdarstellerin belohnt.

Meinung

Ein starker Film mit einer überragenden Julia Jentsch in der Titelrolle. Da der Film ausschließlich die letzten fünf Tage der Protagonistin beleuchtet, kann er auch detailiert auf die Geschehnisse eingehen. Der Film besteht nach der Einführung fast ausschließlich aus Dialogen, was etwas an ein Theaterstück erinnert. Vor allem stehen immer wieder die Verhöre von Robert Mohr mit Sophie Scholl im Vordergrund. Zu Beginn ist die Hauptdarstellerin noch in der Verteidigung, um beim letzten Verhör vor ihrer Verurteilung in die Offensive zu gehen und einen etwas nachdenklichen Gestapo-Beamten Mohr zurückzulassen. Gerade letzterer soll verdeutlichen, dass auch ein beinharter Nazi ansatzweise so etwas Ähnliches wie Sympathie für Andersdenkende empfinden kann.

Genauso brillant wie Hauptdarstellering Julia Jentsch: Alexander Held als Robert Mohr und André Hennicke als beängstigender Richter Freisler, der die Gerichtsverhandlung zur sehenswerten Farce geraten lässt.

Ein sehenswerter Film, und alles andere als Popcorn-Kino.

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Code 46

oli — Mon, 28 Nov 2005 10:57:03 +0000

In naher Zukunft tauchen in Schanghai gefälschte Papelles auf: Pässe, die den Menschen Zugang zu den wenigen bewohnbaren Megacitys gewähren. Der verheiratete Ermittler William Geld aus Seattle kommt dank eines ‘Empathie Virus’, mit dem er die Gedanken anderer liest, der Fälscherin auf die Spur. Statt sie zu verraten, nennt er einen falschen Täter und verbringt mit ihr eine Nacht. Mit seinem bislang vielleicht kommerziellsten Film inszenierte der britische Kritikerliebling und Ausnahmeregisseur Michael Winterbottom eine virtuose und spektakulär bebilderte Genre-Mischung. Nach dem Drehbuch von Winterbottoms ‘Hausautor’ Frank Cottrell Boyce (‘Welcome to Sarajevo’, ‘Das Reich und die Herrlichkeit’) beginnt ‘Code 46′ als klassischer Krimi der Schwarzen Serie und verwandelt sich zusehends in ein Science-Fiction-Drama.

Meinung

Das Cover verspricht einen “Science Fiction Thriller, der unter die Haut geht”. Das ist der Film leider nicht. Als Thriller funktioniert “Code 46″ nicht, weil einfach jede Art von Spannung fehlt. Die Story plätschert vor sich hin und hat kaum Höhepunkte – die einzige Überraschung ist die Autofahrt kurz vor Schluss. Die Love-Story des Films ist ziemlich kühl und gefühlsarm inszeniert, was aber eigentlich recht gut zum gesamten Stil des Films (a la “Gattaca”) passt.

Als “Liebes-Drama” funktioniert der Film ein wenig besser als als Science-Fiction-Thriller, bleibt aber doch nur Durchschnitt. Schade eigentlich, denn mit Oscar-Preisträger Tim Robbins (“Mystic River”, “Die Verurteilten”) und Samantha Morton (“Minority Report”) standen ja namhafte Schaupieler zur Verfügung.

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Fahrenheit 451

oli — Sat, 30 Jul 2005 10:59:58 +0000

Ray Bradburys erfolgreiches Science-Fiction-Meisterwerk über eine Zukunft ohne Bücher nimmt in diesem Filmklassiker unter der Regie von Francois Truffaut – einem der bedeutendsten Leinwandinnovatoren aller Zeiten – bedrückend realistische Dimensionen an. Julie Christie glänzt in einer anspruchsvollen Doppelrolle als Oskar Werners vergnügungssüchtige, konformistische Frau Linda und gleichzeitig als seine rebellische, bücherbegeisterte Geliebte Clarisse.

Montag (Oskar Werner), ein Feuerwehrmann mit dem Auftrag, verbotene Bücher zu verbrennen, lernt eine revolutionäre Lehrerin kennen, die sich das Lesen nicht verbieten lässt. Durch sie wird er zum Gejagten, der nicht nur vor der Wahl zwischen zwei Frauen, sondern auch zwischen persönlicher Sicherheit und geistiger Freiheit steht. Truffauts erster in englischer Sprache gedrehter Film geriet zu einer unheimlichen Fabel, in der die Menschheit zum ultimativen Bösen wird.

Meinung

In einer unbestimmten Zukunft verbietet der totalitäre Staatsapparat das Lesen von Büchern und ordnet sogar deren Verbrennen an. Täglich rückt die Feuerwehr aus, deren Aufgabe nicht mehr das Löschen ist (es wird sogar bestritten, dass das jemals der Sinn und Zweck der Feuerwehr war), sondern eben das Verbrennen von Büchern.

Die Hauptfigur ist Feuerwehrmann Montag, der vom linientreuen Befehlsempfänger zum kleine Revoluzzer wird, indem er die Liebe zu Büchern entwickelt.

***Kleine Spoiler-Warnung***

Die Atmosphäre in “Fahrenheit 451″ ist naturgemäß recht bedrückend. Schockierend auch die Szene, in der die ältere Frau lieber zusammen mit ihren Büchern verbrennt, als ohne sie zu leben. In der Gesellschaft werden nicht nur Büchern verboten, auch ist jede Form von Individualismus untersagt. Männer mit langen Haaren werden umgehend einer Rasur unterzogen.

Das Ende ist für mich etwas zwiespältig. Einserseits finde ich die Buchmenschen herrlich skurril-idealistisch, andererseits weckt das Ende zwar etwas Hoffnung, weil selbst in (oder besser: neben) einem solchen Unterdrückungsstaat individualistische Außenseiter überleben können – aber mit scheint deren Hoffnung auf eine bessere Zukunft (“Eines Tages wird man uns auffordern, zu sagen was wir gelernt haben, und dann wird man wieder Bücher drucken”) doch recht naiv. Oder ist es einfach idealistisch?

**Spoiler-Ende***

Mein persönliches Fazit des Films lautet: Die echte Freiheit findet im Kopf statt, nicht auf Papier.

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